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 „“  Mohammed Kazem & Ekrem Yalcindag


On Saturday the 25th of September 2021, STUDIOSPACE Lange Strasse 31 will presented works by artists

Mohammed Kazem and Ekrem Yalcindag.

About the artists:

Mohammed Kazem (born 1969, Dubai) lives and works in Dubai. He has developed an artistic practice that encompasses video, photography and performance to and new ways of apprehending his environment and experiences. The foundations of his work are informed by his training as a musician, and Kazem is deeply engaged with developing processes that can render transient phenomena, such as sound and light, in tangible terms. Often positioning himself within his work, Kazem responds to geographical location, materiality and the elements as a means to assert his subjectivity, particularly in relation to the rapid pace of modernisation in the Emirates since the country's founding.

Kazem was a member of the Emirates Fine Arts Society early in his career and is acknowledged as one of the 'Five', an informal group of Emirati artists - including Hassan Sharif, Hussein Sharif, Mohamed Ahmed Ibrahim and Abdullah Al Saadi - at the vanguard of conceptual and interdisciplinary art practice. In 2012, Kazem completed his Masters in Fine Art at the University of the Arts, Philadelphia. He has been participating in the Annual Exhibitions of the Emirates Fine Arts Society in Sharjah since 1986, as well as numerous editions of Sharjah Biennial, receiving first prize for installations in 1999 and 2003, and in 2007, he curated the Sharjah Biennial. In recent years, Kazem has participated in several group shows at the Mori Art Museum (2012), Boghossian Foundation (2013), Gwangju Museum of Art (2014) and the 2014 edition of the Fotofest Biennial in Houston (2014). He has exhibited at the Venice Biennale three times: in 2009 as part of a group exhibition curated by Catherine David, in 2013 he represented the UAE with an immersive video installation entitled Walking on Water, which was curated by Reem Fadda, and in 2015 he showcased works from the Tongue series at 1980 - Today: Exhibitions in the UAE, curated by Sheikha Hoor Al Qasimi. His works are held in the collections of the British Museum, Guggenheim Abu Dhabi and New York, Mathaf: Arab Museum of Modern Art, Ullens Centre for Contemporary Art, Sharjah Art Foundation, Barjeel Art Foundation, and Vehbi Koç Foundation, among others.


Ekrem Yalcındag was born in Adıyaman in 1964. He graduated from the Faculty of Fine Arts at Izmir Dokuz Eylül University in 1989. He completed his master’s degree at his alma mater in 1993. Between 1994 and 1999, he studied with Prof. Hermann Nitsch at Stadelschule Frankfurt.

Using geometric and floral patterns so as to praise handcraftsmanship, he maintains connection between art and design by adapting the traditional techniques of painting. While patterns create a visual delusion by repetition and interaction with each other, they signify timelessness (past-present-future) in the cultural context. 

Yalçındağ received fellowships and attended guest artist program in Schloss Balmoral in 2001, and Villa Waldberta in Munich in 2003. He has extensively exhibited in solo and shows in Turkey and in Europe.

His works can be seen in many public and private collections such as Allianz collection in Munich, Borusan in Istanbul, EPO in Lahey, Goetz Collection in Munich, Istanbul Modern Art Museum in Istanbul, Kunstmuseum in Stuttgart and Rückversicherung in Munich.

Currently Yalçındağ lives and works in Istanbul and Berlin.

“Repetition and variation are at the core of both Kazem’s and Yalcindag’s practice, just like their first approach to painting through the aesthetic exploration of the Impressionism French masters. The negotiation of an undeniable although often minimised Eastern cultural background – Yalcindag was born in Turkey and move to Germany at the age of 30, while Kazem was born and still lives in Dubai, UAE – and an elective inclination towards the artistic western canon invite to a reflection on strategies of self-positioning within the larger world, and highlight the relevance of community-based engagement in the process of formation of an artistic persona”

Cristiana de Marchi, “Pictures for the blind”. Ekrem Yalcindag and Mohammed Kazem in the exhibition series „“


“I deal with ephemeral elements, such as the imperceptible movements of apparently fixed objects and situations, and the passing of time. Everything constantly moves as time is passing: you cannot capture time, yet you are existing in it. We cannot visually perceive this universal movement; our very existence is in motion. […] most of my projects represent movement without visualising it ”. (Mohammed Kazem)

Cristiana de Marchi, “Mohammed Kazem”, in Eungie Joo, Ryan Inouye (eds.), The Past, the present, the possible. Sharjah Biennial 12, Sharjah Art Foundation, 2015, pp. 252-259, 252


“The works of Ekrem Yalcindag are subtle: they touch on contexts, but also let them be. Geometry, abstraction and concretion emerge in his works like discreet genetic traces of a fusion of different formal aesthetic worlds. However, just when we think we have discovered them, they already disappear again”. (Dorothea Strauss)

Dorothea Strauss, “Foreword”, in Dorothea Strauss, Christoph Doswald (eds.), Ekrem Yalcindag, Kehrer, 2013, pp. 3-7, p. 6

About the works:

Mohammed Kazem, Nr. L1 - Fluorescent Yellow, 30,5 x 22,9 cm, Acryl auf gekratztem Papier, 2021

Mohammed Kazem, Nr. L2 - Fluorescent Yellow, 30,5 x 22,9 cm, Acryl auf gekratztem Papier, 2021

Mohammed Kazem, Nr. K1 - Rosa, 30,5 x 22,9 cm, Acryl auf gekratztem Papier, 30,5 x 22,9 cm, 2021.

Mohammed Kazem, Nr. K2 - Rosa, 30,5 x 22,9 cm, Acryl auf gekratztem Papier, 30,5 x 22,9 cm, 2021.

Mohammed Kazem, Nr. J1 -  Blue, 30,5 x 22,9 cm, Acryl auf zerkratztem Papier, 2021.

Mohammed Kazem, Nr. J2 -  Blue, 30,5 x 22,9 cm, Acryl auf zerkratztem Papier, 2021.

The works presented here belong to Kazem’s now iconic series of scratches, which he started in 1990 and declined ever since in a multiplicity of formats and even media.

“In 1990, the newly produced series called Scratches somewhat echoed his impasto paintings. In this, he used paper, occasionally scattered paint, and scissors to rhythmically punctuate the surface of the paper in an organic pattern, usually in a single color. The saturation of the pigment varied, depending on the punctures that had been made on the paper” (Paulina Kolczynska).

Ekrem Yacindag, Colored Black, diameter 150 cm, acrylic on canvas on wooden construction.
The work presented here displays an astonishing color restraint for Yalcindag without sacrificing subtle color interactions.

Öst-westlicher Divan

by Angelica Horn

Zur Ausstellung von Mohammed Kazem und Ekrem Yalcindag in der Reihe „“ des Studiospaces in der Lange Straße 31


Der eintretende Besucher dieser Ausstellung trifft rechter Hand auf einen Tondo von Ekrem Yalcindag. Um einen kleinen zentralen Kreis herum ist das Rundbild (Durchmesser 150 cm, Öl auf Leinwand auf Holz) mit dem Titel „Coloured Black“ mit schmalen konzentrischen Ringen versehen. Diesen liegt eine Vorzeichnung mit Zirkel zugrunde; der millimetergenaue Farbauftrag erfolgt freihändig. Die einzelnen Ringe sind nicht in sich flach gehalten, sondern weisen kleine lineare Erhöhungen auf, die eine gewisse Bewegtheit erzeugen. 1997 hat der Künstler neben seinen rechteckigen Formaten mit der Arbeit an runden Bildern begonnen; 2017 auch mit Schwarz als der Grundfarbe, der einzelne Farbtöne beigemischt werden. Yalncindag verfährt bei der Wahl der einzelnen Farben eines Tondos „impressionistisch“, d.h. greift die Farben der jeweiligen Umgebung auf. Die Auswahl der Farben der einzelnen Streifen erfolgt „intuitiv“ unter dem Gesichtspunkt des Gleichgewichts der einzelnen Farben untereinander wie im Gesamten. Dabei gibt es immer wieder einzelne Kreise, die leuchtender hervortreten. Der Betrachter stellt die Harmonie im Ganzen fest, ohne eine Logik der Farbgebung ausmachen zu können. Das macht das stets neu Überraschende dieser Bilder aus. Noch aus der Entfernung beschäftigt das Gemälde den Betrachterblick – es ist gewissermaßen nicht möglich, daran vorbeizuschauen.


Die Abstraktion, die Aufteilung der runden Fläche in kreisförmige Streifen, ist verschmolzen mit dem Ornament eben dieser Struktur des Bildes. Die einzelnen Farben sind ebenso von eigenständigem Ausdruck wie im Ganzen vermittelt. Der Farbauftrag ist von einer spezifischen Materialität; die Farbmasse als solche hat die Realität und die Funktion einer Dinglichkeit, einer Körperlichkeit; sie ist nicht bloß als Träger einer bestimmten Farbwertigkeit benutzt und verstanden. Das Bild hat eine taktile Anmutung, und seine wirkliche Berührung ist von einem besonderen Reiz. Der ornamentale Charakter des Ganzen wird verstärkt durch die Erhöhungen innerhalb der einzelnen Kreise, die Gestaltung und Verzierung der einzelnen Streifen durch linienförmige Elemente. Durch die Verbindung von Farbigkeit und Körperlichkeit wird der Blick des Betrachters einerseits auf Distanz gehalten wird – er konzentriert dadurch besonders auf die Verhältnisse der einzelnen Farbwerte untereinander, und er gerät in Bewegung von der einen Farbe zur anderen. Andererseits wird der Blick durch diese objektiv dingliche Realität der Farbe zugleich auch in der Betrachtung gehalten und stets erneut ins Bild hineingezogen. Das Ornamentale im einzelnen Kreis wie im Ganzen des Bildes ist amalgamiert mit einer abstrakt-geometrischen Struktur. Im Ganzen entsteht ein ebenso rationaler wie „mystischer“ Charakter des Bildwerkes – eine öst-westliche Einheit.

Völlig anders ist die ästhetische Wirkung der Arbeiten von Mohammed Kazem, die sich auf der linken Wand schräg gegenüber befinden. Zunächst sieht der herantretende Betrachter je zwei leuchtfarben gelbe, rosafarbene und hellblaue Flächen (30,5 x 22,9 cm, Acryl auf gekratztem Papier, 2021), die aus der Nähe in ihrer strukturellen Eigenart deutlich werden. Auf der Fläche zeigen sich kleine, pünktchenartige Erhebungen. Im Gelben sind Blatt und „Pünktchen“ gleichmäßig gefärbt. Im Rosaroten ist die Fläche blasser, fast ein wenig bläulich wirkend; die pünktchenförmigen Erhebungen sind einander vertikal wie Perlenschnüre verbunden. Die Farbintensität ist ungleichmäßig auf dem Blatt verteilt. Stärker noch und zugleich verdichteter erscheint dies bei den beiden blauen Blättern. So ergibt sich ein serieller Charakter dieser Arbeiten von einer Farbe zur anderen, wobei einzelnes Zeichen, Grundfläche und Farbverteilung in unterschiedlicher Verhältnismäßigkeit realisiert sind. Es handelt sich um eine Art „Sprache“, die zugleich eine ornamental-ausdrucksmäßige Aufgabe erfüllt.


Das Ausgangsmaterial Papier wird mit einer Schere verletzt, um die plastische Zeichenstruktur zu erzeugen. Dem jeweiligen Farbcharakter entspricht die Art und Weise der Verteilung der Farbe auf der Fläche, wobei die Materialität des Papiers bei diesen „Scratches“ mit der Farbe und ihrer Verteilung eine innige oder lockere Verbindung eingeht. Insgesamt ergibt sich ein Eindruck von Leichtigkeit und Zugewandtheit. Auch hier ist Materiales und Ornamentales verschmolzen, wenngleich ganz anders als im Tondo von Yalcindag. Hier ergibt sich eine Art innere Zeitlichkeit des einzelnen Werkes, hergestellt durch einzelne Zeichen in ihrer Verbindung miteinander. Die Farbe stellt diese Verbindung her und den ornamentalen Gesamtcharakter. Der Betrachter kann sich „lesend“ hineinbegeben oder vor dem Ganzen in Betrachtung verweilen.


Seit 1990 arbeitet Kazem mit „Scratches on Paper“, wobei er auch die Bedeutung des Lichtes miteinfängt und musikalisch-tonale Aspekte. In seiner Versammlung östlicher und westlicher Elemente der Kunst dominiert der rationale Aspekt der handelnden Subjektivität des Künstlers als derjenigen integrierenden Kraft, in der sich die verbindende, verständigende und kulturübergreifende Fähigkeit von Kunst zeigt. Kunst zeigt sich als Sprache, die verschiedene Dimensionen des Phänomenalen ebenso um- und übergreift wie sie den Betrachter berührt und zum sinnenden und betrachtenden Nachdenken einlädt. Die Freude, die Kunst zu machen versteht, ist zugleich die Mitteilung einer Art Fröhlichkeit darüber, dass es Mensch, Welt und Verständigung gibt. Es ist ein utopisches Moment, das hier freigesetzt wird.

„Orient und Okzident sind nicht mehr zu trennen“, konstatierte Johann Wolfgang von Goethe 1826. In seiner Gedichtsammlung „West-östlicher Divan“ hatte er sich an den „Diwan“ des persischen Dichters Hafis angelehnt und unter anderem Gedichte von diesem zu einem Neuen und Eigenen sich anverwandelt. Er preist damit den Geist, der im Orientalischen walte, wie auch die Betonung des Sinnlich-Anschaulichen, die er bei Hafis vorfindet. Vom Östlichen aus erkennt er auch den Wert des Westlichen neu.


Östliches und Westliches ist in den beiden Werken der Künstler dieser Ausstellung verbunden, in ihrer künstlerischen Ausbildung und ihrer Vita. Mohammed Kazem aus den Vereinigten Emiraten, der in Dubai lebt, in Philadelphia studierte, ist u.a. eng mit der europäischen Kunstwelt verbunden; Ekrem Yalcindag, in der Türkei geboren, studierte dort und in Deutschland, lebt hier, wie dort und hat seine Werkstatt in Istanbul. Okzident und Orient vereinen sich in den Werken dieser Künstler und in ihren Leben.




© Angelica Horn, Frankfurt am Main 2022

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